電影模型博物館－我的酷瓜人生篇

動畫是電影類型裡，最貼近人類原始創造力的一種方式，是電影界裡的手工業。動畫從最初的古老洞穴壁畫開始，演變到科技時代的電影3D後製、VFX影像等，讓一堆創作者轉為科技為導向，似乎忽略了創作手法與劇本情節相對的關聯性，有時也略過了展現氛圍情緒的選擇性。

動畫電影在影壇這兩年來勢洶洶，又2017年是日本動畫的100週年，各大電影博物館紛紛邀請動畫入主策展，如法國電影博物館（Cinematheque(La Cinematheque Francaise Musee Du Cinema)）在日本電影展覽也囊括了日本動畫；SouthBank Centre 姆咪展（Adventures in Moonminland）、當代美術館Tate舉辦的獨立美國實驗動畫（Independent Frames: American Experimental Animation in the 1970s + 1980s）等，動畫的展現以策展的形式出現，更可能比一般影廳上映還要更豐富。

2016年英國倫敦電影節60年來第一次在四大競選提名中，都出現了動畫片，更特別關注日本新海誠導演《你的名字》（Your Name，2016，新海誠），和瑞法合製的停格動畫《我的酷瓜人生》（2016），2017年春季，英國週末票房在兒童節那週，英國推出了《佩佩豬電影》（Peppa Pig: My First Cinema Experience, 2017）在英國上映，英國就在兒童節前後的週末票房，以《寶貝老闆》（The Boss Baby, 2017）、《藍色小精靈：失落的藍藍村》（Smurfs: The Lost Village, 2017）、以迪士尼為基準翻拍的《美女與野獸》（Beauty and the Beast, 2017）和美國以真人翻拍日本動畫《機殼特攻隊》（Ghost In the Shell, 2017）等作品攻下週末票房名列前茅第位，不難嗅出英歐電影市場對動畫上映的嘗試，以及策展動畫的喜愛。

法國里昂的電影袖珍博物館（Musée Miniature et Cinéma）是一間被國際教科文組織（NUESCO）列為16世紀的歷史建築，2017年春季裡面特別限時展出《我的酷瓜人生》主題，其中人偶設計和場景空間的佈展相當細緻，在此與大家分享。

提著一籠燈照進每個小心房，

才發現這裡面藏著滿滿的期待，

渴望被愛。

《我的酷瓜人生》（Ma Vie de Courgette, 2016）由瑞士籍導演Claude Barras改編童書”Autobiographie d’une Courgette”(2002, Gilles Paris)，以停格動畫的方式編製拍攝成瑞士與法國合製的動畫電影，於2016年法國Annecy國際動畫電影節獲得最受觀影人青睞獎（Audience Award）、水晶最佳長片獎（Cristal Award for Best Feature）、Cannes影展之金攝影獎、歐洲電影獎之最佳動畫電影獎、金球獎之最佳動畫長片獎、東京動畫獎之電影首獎等國際級榮譽。

這部關於育幼院小朋友的故事，以孩童天真的視線，目睹大人不光明的世界與家庭關係的溫馨作品，相當細膩地描繪孩童孤寂的情緒、假裝堅強的模樣、默默接受事實失落的表情，Q版小朋友們臉上大大閃閃發光的雙眼陰著濃厚的憂鬱：有的小朋友排斥跟媽媽回家，有的小朋友一聽到有疑似家長來訪的聲音，就滿懷期待的跑去門口看是不是媽媽來接她，有的小朋友卻連這種可以期盼的機會都沒有。是一部充滿令人揪心情節的電影。

里昂文化鬧區的電影袖珍博物館門口，貼著當時正展出的《我的酷瓜人生》海報，和蜘蛛人模型並列。

酷瓜本尊登場電影原著現身

酷瓜本人！與警察先生跟他暗戀的女生！親眼目睹了人偶主角，有種看到電影明星的感覺！每個場景旁邊都有使用Ipad提供相對應場景的電影片段。

上圖是導演Clude最初版的手繪分鏡，以及被電影改編的童書原著出版品。

最令人心醉神迷小朋友臉上豐富的表情更換設定組，對於情緒表達極為重要。這些人物是由3D列印製作出人頭、嘴巴組、眉毛組和不同的眼睛，劇組透過電腦計算記錄演員表達的台詞聲音，讓動畫師以此設計出不同的嘴巴，並依照情境表達，組合成合適的情緒樣貌，眼睛也可以手動換掉的，後腦勺是可以打開的。

偶動畫人物設計比例圖。大人、小孩的身形比例以及人物身體關節支架。身體小小的，手長長的，片中人物偷偷的牽手、放風箏，長長的手讓這些舉動更有戲劇性地訴說情緒的走向。在電影中，會看到小朋友們坐在地板，雙手長長的一段攤在地上的模樣，有種無辜可愛感。

《我的酷瓜人生》在場景製作上極為講究，包含教師辦公室裡精細的魚骨地板拼接、美麗至極的雪景和光影的投射等，大家在觀影時可以好好享受這所謂動畫是手工藝的呈現之說。

博物館策展空間氛圍燈光營造電影感

燈光是創造氛圍的主宰，是撥動情緒瀰漫空間之中的存在。

以特效、模型、科幻人物、袖珍場景為主題的Musee Miniature et Cinema館內有19世紀70年代到90年代紅遍全球的國際性電影共同記憶，包括《異形》（Alien, 1979）中的異形女王、《侏儸紀公園》（Jurassic Park, 1993）的三角龍、《摩登大聖》（The Mask, 1994）的面具，還有近年讓英國演員班維蕭（Ben Whishaw）闖出名號的電影《香水》（Perfume: The Story of a Murderer, 2006）場景，美國英雄主義類電影的超人型角色等等，都在這邊以本尊展示，此外，在本館最高樓層亦收藏許多袖珍場景藝術作品，有迷你型的肉販、迷你房間角落、迷你恐龍博物館等，全部都是等比例製做展出。因此館方對於展示作品的「空間感」、「原真重現」與「燈光」運用，都具有相當專業細膩的考量，讓參訪者感受到他們此的重視與用心。

上圖就是一個精美的例子，館方善用光線的照射與角度、光束強烈性、光之色溫和感光範圍，讓展品氛圍與電影情緒傳遞一致性，亦能體現電影感，同時訴說拍攝電影時，拍片團隊在故事設定的時間與空間性，這個部分在等比袖珍區更有強烈的感受。

這個袖珍作品實際上只有我的小手更小的大小，其室內、走廊、室外的光線、調性都不一，可以感受到空間作為人性暖色的起居、戶外陽光普照的日光，和廊道微弱燈光的空間轉折。對微縮模型有興趣的有另一篇專文：《電影模型博物館－微縮模型篇》。

燈光相對於電影情節、人物設定、剪輯手法與導演思維，在影視作品並不是經常被討論的重點，又加上現今電腦計算的進步，畫面顏色常常會透過後製調色，因此一般觀眾對於真實空間的燈光比較沒有投注過多的關注，然而Musee et Mininature對此特別強調出來，這是我很喜歡Musee Miniature et cinema的主因之一。

館方對於他們所展示的物件－「電影」場景的人物有高度認知，因此對於如何展示「故事性」、如何傳達電影情節的情緒，以及空間感，館內在燈光與音效都有特別設計：館內共有八間房間，各分類為不同電影主題，並在主題房間設定不同燈光、動線和音效，讓我在逛展時，有種「明知展示品是假的，但怕牠會突然動起來」的恐懼，以至於我沒有走進鬼怪屍體區跟異形房，膽小者記得要約伴去。

電影製作素材選擇成就影片情緒表達

停格動畫在電腦動畫潮流中，仍占有重要地位。2015年至2017年，全球動畫產業仍層出不窮地展現傳統動畫製作方式的動畫長片：樂高玩電影（The Lego Movie, 2014, Phil Lord & Christopher Miller），美國以停格動畫描繪成人世界人際關係疏離的《艾諾瑪麗莎》（Anomalisa, 2015, Duke Johnson & Charlie Kaufman）、英國最大動畫工作室之一Aardman以停格動畫為根基出了許多鉅作，如笑笑羊系列、《酷寶：魔弦傳說》（Kubo and the Two Strings, 2016, Travis Knight）停格電影等，可見偶動畫不只受製片團隊愛戴，也受觀眾喜愛。

如果動畫製作僅能粗略的分為兩大類，那美國就是以罐頭產業為主軸，向數位科技過於傾倒的娛樂事業，而歐陸亞洲則以劇本概念為先，並擇適合創作方式創作。

迪士尼這幾年原創不再，不斷的延續公主系列、拍攝原創動畫續集，如美女與野獸（Beauty and the Beast, 2017）, 仙履奇緣（Cinderella, 2015），或拍攝迪士尼公主系列真人電影的番外篇，如《黑魔女：沉睡魔咒》（Maleficent, 2014）、魔法黑森林（Into the Wood, 2015），好萊塢2017年上映日本《功殼機動隊》（Ghost In The Shell, 2017）翻拍的美國版本，這樣的製片策畫多半僅能延續電影第一集的票房，難以吸引新客群。

電影最終得回歸到故事本質為核心－劇本原創性，電影的表達方式是否與劇本情節有一致性，也是作品成功與否的關鍵所在，選對了創作素材，影片的情緒也成就了一大半。今年出現了英國與波瀾合製的Loving Vincent（2017），以梵谷油畫風格為手繪製作動畫的方式，描繪荷蘭畫家梵谷神秘的生與死，就是一個絕佳的例子。