場景即敘事 | 程威誌的近未來城市
現正影展巡演的科幻短片《Fugitive 逃亡者》（2022），講述黑白棋在機器人的意識中，是一場無人之地的機械對戰，寫實科幻感十足的動畫，令人震懾的視覺經驗，透過荒廢空城、裸露的機械、高速運作的交通工具，演繹機器人繼承人類歷史戰亂的重蹈覆轍，呈現反烏托邦式的世界觀。
這部高度擬真又細緻的電腦科技動畫，其場景設計出自於臺灣出身的程威誌，初試啼聲即橫掃各式影展視覺特效、動畫類項目，截至 2023 年第三季為止，已累積超過20 多個獎項，令人驚嘆好奇，想一窺作品究竟魅力。
https://www.imdb.com/title/tt21952108/?ref_=tt_mv_desc
https://vimeo.com/ondemand/fugitive
科幻電影與 《Fugitive 逃亡者》製作 | 淺談科幻電影 Sci-Fi Film Genre
20 世紀末以降，巨型城市（megalopolis）在科技躍進與全球化擴張之時逐漸壯大，各式創作開始取材自交通機械的速度感、都市地景從平地竄起直達天際線的建築等種種劇變，自此「機械、都會、鏡頭從地球拉遠至外太空」等想像，開始裹上一層未來科幻感的成分，成了創作者與閱聽眾著迷所在，科幻電影類目下的賽博龐克（Cyberpunk）和蒸氣龐克（Steampunk）應運而生。
1960 年後，出現不少工業革命後描繪未來感都會的作品，更衍伸烏托邦（Utopia）或惡托邦（Dystopian）概念，諸如經典巨作：大友克洋的《阿基拉》（1988）、《The AniMatrix》（2003）、《惡童當街》（2006）等，都成為程威誌欣賞的作品類型，也影響他創作的原生力。
動畫場景設計師 程威誌
程威誌高中時期即自學手繪插畫，創作主題特別細緻描繪交錯繁複的城市風貌；他也曾在高中階段與同班同學造訪家鄉雲林附近的閒置空間，當時邊探訪邊玩樂累積不少錄像片段，從中挑選剪輯，成為人生第一部影視作品(二十歲後的廢墟)。
對廢墟與建築空間某種程度的關注與熟悉感，加上偏愛科幻類的電影，種種生命經驗堆疊，一個無人無聲卻仍具生命力的巨型廢墟城市，油然在《Fugitive 逃亡者》誕生。
輾轉孵育的《Fugitive 逃亡者》－製作過程
原先程威誌預期製作一支音樂錄影帶，展現他的動畫創作才能。
此一想法初期，已有共同創作經驗的 Adis Kutkut Billain 導演再次投入合作。創作到 ⅓ 時，團隊決定以 30 分鐘的短片規格繼續製作，並取名為《Fugitive 逃亡者》。就此，電子音樂創作出身的 Billain（BillainTV/videos）首次擔任導演職位；而手繪插畫起家的程威誌，則第一次嘗試投入電影動畫短片製作，他的主要職責與定位相當明確：動畫場景設計，同時也擔任機器人動作、整體視覺設計。
作品規格提升與轉型，牽動了更繁複的前置作業：劇本討論、動態分鏡、更細緻的音效設計等，以符合作品世界觀和敘事完整性。
兩年的創作過程，導演積極尋找投資，卻遇到影視藝文界融資的常數難題－資金中斷危機。創作團隊對作品的想像，以及需要投入的人力與時間成本，如何與商業融資、投資回收之間取得平衡，都是影視創作者須不斷叩問和實踐的命題。當時創作團隊們不得不身兼募資的身分：導演 Billain 為了吸引贊助而啟動直播 ，程威誌也特別製作 Logo 動畫(贊助動畫)給贊助方，同時運用臺灣的媒體宣傳力(映 CG)、其他平台資源，例如 臺灣數位模型庫，支撐現有專案，力求資金注溢以完成創作。
自學力和執行力十足的程威誌，在製作期間大量邊做邊學，這次短片製作經驗他表示：「實務上更了解電影從無到有的完整創作流程，包含畫面呈現的完整性與細膩度、影像運鏡與剪輯節奏感，也嘗試用更多媒材製作動畫，包含 VR 科技進行動態捕捉，應用在機器人運動上；龐大的渲染運算必須提升硬體設備等等。」
他也做中學才逐步找到更多日新月異、省時省力的技術，例如 ＯＣ 渲染器更加乘光影的擬真性，也推薦 MetaHuman 虛擬引擎給需要做真人動畫的創作者。
程經常與導演互相分享資料，試圖表達視覺美學的概念如何具體呈現，像是器人跑步到停止的姿勢、場景該長什麼樣子、大樓冒煙的表現形態，。然而程威誌認為他的外語不甚優秀，溝通上會直接畫圖討論，反而發現邊做、邊找案例邊討論，遠比語文字句來的有效率。
程威誌的手繪圖像、動畫音樂錄影帶、動畫短片，都能看出他對創作的熱情與篤定，特別是對城市建築的熱愛，說到他的取材經驗，近年他的旅遊目的地，會特別走訪別具特色的都會區，如到訪香港以攝影建築作為創作取材，感受超窄人行道，或計畫重慶之旅，親眼目睹傳聞已久的魔幻山城，一名實實在在的創作者就是如此吧，生活每個時刻都是能任意取材的過程。
程和 Billain 下一部作品正如火如荼地發生中，此外，今年（2023） 10 月 臺灣高雄電影節將會放映兩部程威誌參與製作的 VR 作品：吳德淳的《鏡子》和謝文毅的《暗面》，對於 VR 型態，場景設計相較平面螢幕又更顯得重要，觀眾屆時可透過沉浸感的新作，欣賞程威誌不同面向的科技藝術，同時一睹最新臺灣 ＶＲ 創意。
場景即敘事－具說服力的說故事「主角」
Background setting as narrative and the main character
「近未來城市想像－人群的缺席」
Futuristic Cityspace – The absence of Human
「場景」作為引導觀眾進入另一個時空的視覺說服者，視覺上的氛圍環境，是支撐故事世界觀的主力。《Fugitive 逃亡者》的空城建築「聲勢浩大」，其特別之處在於，近未來的時間設定，場景設計並非更高科技的想像，或飛雲遁地的空中交通網絡，也不是地底下、地面與上位層級，所謂以空間揭露階級的強烈對比，而是相當貼近現代都會的風景，但人類缺席。
未明確交代人去樓空的前情提要、隱喻式的故事背景－「人類缺席」，引發了「開放式前因」的無限想像，關於未來，正在上演，過去與現在的人類發生了什麼事？這是一座被人類遺棄的城市，抑或這是未來的遺跡？又或者僅僅是電腦程式記憶體的想像之地？相當令人玩味的劇本設計。
場景的身分？ The Identity of Scenes
為讓空無一人的場址顯露身分個性，荒廢之地的建築仍帶有熟悉的人類生活痕跡，對臺灣觀眾而言，不難發現其中畫龍點睛地鑲嵌布置了臺灣在地文化象徵物件，如巨大佛祖的身影、臺式招牌、紅燈籠高掛馬路電線和大甲鎮瀾宮的廣告看板，甚至能找到場景創作者的隱身蹤跡。場景作為一種語言形式，直截了當地與臺灣觀眾做了圖像溝通，瞬間拉近影像與觀眾之間的距離。
中華節慶才出現的大紅燈籠，對比了四處飄散的金紙，文化意義的衝突性帶出超現實的隱喻感，搭配鏡頭帶到目睹斷軌道路的神像，滿天戰亂與滿地具傷的廢鐵機器人，讓這座往事不詳的無名空城，滿溢著不言而喻的悲傷，彷彿用即將到來的死亡諭示戰爭的意義。
片中進入尾聲時，亦有西方象徵性的符號，如米開朗基羅的經典之作－創造亞當的巨型手指雕像，虛無戰亂的空城外，是一處祥和寧靜的綠茵草地，而這座巨型裝置分隔了機械戰亂與自然平靜。這種對照與符碼拼貼，相當具後現代感，同時能感受到製作團隊是東西方文化合製的團隊，既帶有全球性的物件，也有在地性的文化符碼。期盼未來能觀賞更亞洲、更臺灣性格主體統一性的創作。
關於劇本，片中有些較考驗觀眾的認知：相當抽象的片頭尾、情節的起因緣由，任務完成的關聯性，以及鏡頭帶到太空器械的一幕，留給觀眾寬廣的想像與討論空間。
科幻電影的異境感，總帶領觀眾有更自由而寬闊的想像，而優秀的作品更帶給人觀影後深沉而長遠的餘韻感受，例如《鬼魅浮生》對場址時間性的穿越；《最後的美麗》藍冷色調紛氛圍中，目睹一幕幕死亡的模樣； 《人類之子》電玩遊戲闖關般的在戰亂中解任務直至終點； 《地下社會》因悲傷而荒謬瘋狂的情感韌性。《Fugitive 逃亡者》某一橋段會成為觀後餘韻的美好：隨處飄落的金紙消失了，取而代之是大地迎接了一場雨，象徵枯萎荒地受到自然的洗禮，這一刻終於獲得寧靜。
程威誌透過建築敘述了基底故事，壯闊場面相當值得在大螢幕觀賞；音效方面，導演從生命經驗萃取那未親眼所見卻記憶鮮明的戰爭聲響，視聽效果讓整體觀影體驗相當強烈。堅信不疑地，程威誌有朝一日能製作電影長片規模的創作，其他在各種形式的敘事和創作，都有更多向度的探索形成程威誌的風格，也盼望臺灣影像創作，能在藝術實踐和商業資金取得，獲得更穩健的權衡。
